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Reseña de Contra lo imposible, Ford vs Ferrari

Se apaga la luz de la sala y se encienden los motores de una de las películas destacadas que nos deja esta segunda mitad del 2019, Contra lo Imposible. La cinta dirigida y craneada por James Mangold, es una película biográfica y dramática protagonizada por dos importantes figuras del cine hollywoodense como lo son Christian Bale y Matt Damon. Nos trae la flamante historia de la carrera empresarial que acontece entre Ford Motor Company y Ferrari.

Sinopsis
En la década del ’60. Tanto Ford como Ferrari estaban entrando en un punto de decadencia que perjudicaba a cada uno en distintos aspectos. Ferrari con un modelo de producción casi 100% manual y supeditado sólo a autos de carreras, estaba quedando detrás del modelo fordista de producción.

Mientras que Ford, aun contando con el fordismo en su haber, estaba quedando atrás en las ventas. Ambas empresas estaban cercanas a la quiebra. Es entonces cuando a uno de los empleados de Ford, Lee Iacocca (Jon Bernthal), se le ocurre la ingeniosa y descabellada idea de competir con un auto Ford en una de las carreras en donde Ferrari era el ganador recurrente: Le Mans, una carrera de 24 horas en el circuito de la Sarthe, cerca de Le Mans, Francia.

Para esto, interceptan al legendario corredor y ganador en Le Mans ’59 Carroll Shelby (Matt Damon), quien entonces llevaba adelante Shelby American, donde diseñaba automóviles, para que los ayude a generar un auto acorde a las necesidades de Le Mans. A su vez, Carroll se alía con su amigo, el veterano corredor Ken Miles (Christian Bale) comenzando entonces la larga disputa que habrá entre ambas empresas.  

 
La opinión
Una película divertida y sensacional. James Mangold realmente se toma el minucioso trabajo de generar en el espectador la emoción en cada momento. Los desencuentros entre empresarios, las emociones de los corredores, los personajes estereotipados y especialmente las carreras. Todos estos son los motores de tensión y sensación que empujan la película hasta el final.

Uno de los puntos más fuertes que tiene, además de la dirección, son las actuaciones fundamentalmente de las estrellas, Bale y Damon. Hay que destacar también el importante marco actoral de los actores secundarios que encauzan y acompañan de manera muy armoniosa el camino de los protagonistas.

Gags, carreras emocionantes, un sonido espectacular, actuaciones sensacionales y la progresión narrativa adecuada generan el ambiente dramático que ronda, incansablemente, a lo largo de toda la película sumergiendo al espectador en una ficción simple pero perfectamente cuidada y emotiva.

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The Irishman

Luego de una larga batalla entre Netflix y las cadenas de exhibidores y de las discusiones del director contra Marvel, llegó el día del estreno de “The Irishman” en la plataforma de Netflix. La película tan esperada y polémica desembarco en la gran VoD a las 4 de la mañana. Ya habiendo sido proyectada como película de clausura en el Festival de Mar del Plata y sin querer perder la oportunidad de participar en festivales, la película tuvo un asombroso paso por una ínfima cantidad de cines. Pero hablar de todos estos problemas y de la vergüenza que es que la hayan proyectado en solo dos cines en todo CABA y GBA seria perder el tiempo, lo verdaderamente importante es agradecerle a Scorsese por la obra de arte que nos regaló.

Martin Scorsese a sus 77 años y con una extensa filmografía, donde se pueden encontrar desde ficciones hasta documentales, demuestra que todavía es uno de los mejores directores activos. En “The Irishman”, película que fácilmente entra en sus mejores trabajos, vuelve a tocar tópicos que atraviesan toda su filmografía. Filmografía que dicho sea de paso cuenta con películas que no solo marcaron una generación sino a la historia del cine en sí, compuesta por films como “Taxi Driver”, “Raging Bull”, “Goodfellas”, “Casino” y “The Wolf of Wall Street” demostró ser una filmografía de lo más interesante posible.

Sinapsis

“The Irishman” logra reunir a celebridades que supieron tener un apogeo en un pasado y que, en la actualidad, lamentablemente, fueron un poco olvidadas.  En el más que destacable cast podemos encontrar a Robert De Niro, Joe Pesci, Al Pacino y Harvey Keitel. Todos brindando actuaciones memorables y dignas de cualquier reconocimiento.

La película se centra en Frank “el irlandés” Sheeran (De Niro), ex combatiente de la 2da Guerra Mundial, camionero y padre de cuatro nenas. Hombre que no tiene problemas con usar la violencia ni hacer lo que sea para solucionar las carencias materiales de él y su familia. Frank tras un fortuito encuentro con Russell Bufallino (Joe Pesci), importante mafioso local, logra entablar una fuerte amistad con él. Tras ser apadrinado por Russell, Frank irá ascendiendo en la jerarquía mafiosa. De todas formas, su ascenso tiene un techo ya que no es “uno de los nuestros” (se dice en la película), no tiene sangre italiana. Russel lo va a poner en contacto con Jimmy Hoffa (Al Pacino) y ahí comienza su turbia carrera en el sindicalismo, hasta convertirse en mano derecha de Hoffa, su amigo y confidente.

Critica

Martin Scorsese junto a Steven Zaillian, guionista, a partir del bestseller I Heard You Paint Houses de Charles Brandt lograron construir un film épico e intimista, desgarrador y sutil; que une todas las obsesiones del director: los gangsters y sus códigos, los límites que impone el poder, la lealtad, la amistad a través del tiempo, las contradicciones familiares, la culpa y la búsqueda de la redención.  Por medio de brillantes actuaciones y una magnifica puesta en escena, acompañamos a nuestro protagonista a través de una épica de ascenso y descenso, que cruza momentos de la historia de los Estados Unidos. Para ya hacia el final, acompañarlo en un viaje de redención personal y familiar. “The Irishman” es una relectura más moderna de “The Godfather” o, mejor dicho, “The Irishman” es el “The Godfather” de Scorsese. Incluso la película se podría leer como una carta de despedida de un director, que al igual que su personaje supo tener un tiempo de gloria y reconocimiento pero que en la modernidad solo le espera el olvido. Martin Scorsese con esta película nos vuelve a demostrar porque es uno de los mejores directores de todos los tiempos.  Gracias Scorsese.

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34° MDQ Film Fest: A Hidden Life, Jojo Rabbit y Parasite

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata nos obsequió algunas películas muy esperadas. La mayoría de estas ya tuvieron un recorrido en festivales pasados como Cannes y seguramente aparezcan, por lo menos algunas, en la tan esperada noche de los Oscars. Lamentablemente, por los enormes problemas que tiene Argentina a nivel de distribución lo más probable es que estas películas tarden en llegar a los cines.

“A Hidden Life”, Terrence Malick

Terrence Malick es uno de los pocos autores que queda hoy en día en el mundo del cine. No solo sobresale por ser un notable realizador con un estilo bien marcado y definido, sino que también por crear disputas y generar diversas opiniones entre los críticos y los espectadores. Malick mantiene con Cannes una relación bastante estrecha desde hace mucho tiempo. En 1979 ganó el premio a Mejor Dirección por «Days of Heaven» y en 2011 ganó la tan codiciada Palme d´Or por «The Tree of Life».

La película nos narra la vida del beato austríaco Franz Jägerstätter, un objetor de conciencia, que se niega a luchar por los nazis en la Segunda Guerra Mundial. «A Hidden Life» cuenta con las actuaciones de August Diehl quien interpreta a Franz, Valerie Pachner quien hace de la esposa de este y con el difunto Bruno Ganz.

Si Malick en «The Tree of Life» nos habla del existencialismo de una forma magnifica centrándose en una familia, en «A Hidden Life» nos habla sobre la fe y el sacrificio propio. Durante las 3 horas que dura la película Malick nos deslumbra con sus marcas autorales, una voz en off omnipresente, música sinfónica de cuerdas y coros elegiacos y poéticas imágenes de la naturaleza capturadas en lentes gran angulares. El autor retoma su pasado más narrativo lo que nos lleva a pensar en sus primeras películas, pero le añade toda la poética de su etapa más reciente. Los paisajes se resignifican a medida que avanza la película al igual que la luz natural del sol. August y Valerie brindan actuaciones memorables representando a la pareja y padres de tres niñas. Lo cuestionable de la película es el hacer hablar en inglés a los actores cuando todo el film es en alemán y los mismos actores son nativos de allí. Pero esta cuestión puede esconderse bajo la idea de que nuestros protagonistas no entienden los ideales nazis, lo que lleva a que el espectador no necesariamente tenga que entender ya que ellos no entienden.  En resumen, Malick nos regala un épico y solemne melodrama antibélico acompañado por hermosas imágenes que seguramente queden en la memoria de cualquier espectador.

“Jojo Rabbit”, Taika Waititi

Waititi fue ganando reconocimiento en el último tiempo por su estilo cómico y su personalidad. El director neozelandés es reconocido por su filmografía cómica que consta de películas como “What We Do in the Shadows”, “Hunt for the Wilderpeople” y “Thor: Ragnarok”. Taika ahora suma una nueva película que pide a gritos una nominación a los Oscars.

“Jojo Rabbit” es una sátira de la Segunda Guerra Mundial que sigue a un niño alemán solitario cuya visión del mundo se da vuelta cuando descubre que su madre soltera está escondiendo a una joven judía en su ático. Jojo ayudado solo por su idiota amigo imaginario, Adolf Hitler, debe enfrentar su nacionalismo ciego. A Taika Waititi no le basto con dirigir la película, sino que también agrando su ego actuando como el mismísimo Hitler.

La película propone una historia de lo más interesante, un niño con Adolf Hitler como amigo imaginario, junta a una premisa ya varias veces vista, un nacionalismo ciego.  El problema de la película recae en que no sabe aprovechar esa historia y termina cayendo en algo ya visto mil veces. Cuando Waititi se enfoca en hacer comedia, que es lo que mejor sabe hacer, la película funciona, pero cuando quiere ser algo serio empieza a caer. Pero otro inconveniente es que esa comedia sea moderada y no excesiva. En la primera mitad de la película satiriza moderadamente a Hitler lo que genera una risa inmediata. Durante la segunda mitad esa sátira se vuelve excesiva y genera un Hitler que mueve su cuerpo de forma absurda y sin sentido, buscando así una risa que no se termina produciendo.

A medida que avanza la película esta va abandonando la comedia y se va insertando en el género dramático.  El director trata a la fuerza de generarnos emociones con supuestas secuencias emotivas. Pero estas secuencias no llegan a conmovernos porque ni los personajes ni las situaciones previas fueron profundizadas durante la primera mitad de la película. El director al no saber en qué genero quiere instaurar su película, nos brinda un film que logra provocarnos pocas risas y casi nada de emociones.

“Parasite”, Bong Joon-ho

La nueva película de Bong fue capaz la cinta más esperada de todo el Festival. El film ganó este año la Palme d´Or en Cannes y cosecho a lo largo de todo el año criticas excelentes. El realizador surcoreano ya nos había sorprendido con films como “Memories of Murder” y se espera que esta nueva película sea una de las fuertes candidatas a Mejor Película en Idioma Extranjero.

La película nos narra la historia de dos familias diferentes. La primera es una familia más marginal y de bajos recursos donde el hijo varón, tras una jugada que incluye falsificar papeles consigue trabajo como tutor de inglés de la hija adolescente de la otra familia que es rica y vive en una moderna mansión. De a poco, el hijo de la primera familia irá haciendo entrar a sus familiares a esa casa: su hermana hará lo propio enseñando arte al hijo menor de la familia rica. Y luego al padre, como chofer. Y así. Pronto, la familia entera (ocultando su relación) estará viviendo a costa de los millonarios. A medida que avanza la película en esa mansión irán sucediendo diversas situaciones que van desde la comedia hasta la tragedia.

El realizador surcoreano a lo largo de su filmografía va creando un género propio que bien podría caracterizarse por tener una gran conciencia social. En todas sus películas hay una mirada consciente de las clases económicas y de las tensiones entre las mismas. “Parasite” es ingeniosa, sutil y obvia por momentos. Posee una narrativa que logra hacer pasar al espectador de las risas a la tensión, pero sin abandonar nunca la empatía y la comprensión de todos los personajes. Bong con su destreza visual logra generar metáforas y alegorías visuales que quedan en la mente del espectador. “Parasite” es una notable película que nos habla sobre los lugares a los que pertenecemos y de aquellos a los cuales nos gustaría pertenecer.

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Análisis de Fight Club por sus 20 años

Analisis de Fight Club

El pasado 15 de octubre el club de la pelea cumplio 20 años y todavía sigue siendo una de las mejores películas de la década pasada.

Fight Club es una comedia negra y satírica de un inmenso salvajismo. Auténtico cine de vanguardia, consciente de su osadía, y que toma al estoicismo y a la autodestrucción como los temas centrales del argumento. Un verdadero manifiesto anarquista, anti-sistema, anti-personaje, anti-reglas.

La película arranca con una secuencia de títulos que denotan el ritmo y nos avisan que hay que ponernos las pilas. Unos créditos (en CGI) viajan por el cerebro del personaje principal. Un cerebro trastornado de un protagonista sin nombre (Edward Norton), que a la vez también es el cerebro de su desdoblada personalidad, el nihilista Tyler Durden (Brad Pitt). Ambos, después de conocerse (en referencia a conocerse a sí mismo) serán la razón de la fundación del Club de la Lucha. Club que sirve de fuga y desahogo del ahogo de la rutina y de un mundo trastornado, además de ser un espacio que permite la proyección de los fantasmas del ego.

Fight Club nunca deja de lado la crítica social. No sólo golpea al capitalismo, sino que también critica a las relaciones sexuales, la vida laboral, las enfermedades, los grupos de terapia y al autoconocimiento.

Personajes del Club de la pelea

Narrador: Persona carente de valores y relaciones afectivas que tiene insomnio. Intenta llenar su vida con un consumismo extremo y acude a terapias de grupo para sentirse mejor consigo mismo observando el sufrimiento de otros.

Tyler Durden: Representa todo lo que el narrador quiere ser y a la vez la contracara de el mismo.

Marla Singer: Persona también decadente que necesita ir a terapias de grupo para sentirse bien consigo misma.

“Bob”: Representa la completa decadencia del hombre. En el pasado tenía una imagen artificial de éxito que se vio en decadencia por los excesos para mantenerla.

El jefe: Representa la educación y el sistema, a lo largo de la película aconseja al personaje principal.

Breve análisis de escenas y elementos de Fight Club

-Una de las primeras cosas que llama la atención es que el protagonista no tenga un nombre. Al personaje interpretado por Edward Norton no se le conoce con un nombre y de todas formas es el narrador que nos guiara a través de la historia.  Este recurso permite que el espectador se identifique más rápido con el personaje y además permite que el Narrador no represente a una persona en particular, sino que represente a toda una generación.

-El insomnio que sufre el protagonista y la sociedad en que vive lo conducen a una hiperactividad consumista, lo que produce que en su domicilio se encuentren cosas que no necesita.

– Cuando estalla el apartamento del protagonista se hace una crítica a la superficialidad de la sociedad actual. Sociedad en la que solo le damos importancia a la imagen exterior de nosotros mismos, pero que en realidad es una imagen que en el fondo carece de cultura, verdaderas amistades o una buena salud.

– Los integrantes del Club tienen vidas carentes de un significado real, son esclavos de su trabajo y de los muebles que compran. Nunca han luchado realmente por su supervivencia, no saben lo que es el sufrimiento o el dolor. Por eso, por primera vez en su vida, quieren luchar.

-Escena en la que Tyler le echa ácido al narrador: En esta escena el Narrador debe sufrir y tocar fondo para poder ser una persona nueva.

-Escena en la que roban grasa de clínicas de liposucción: En esta escena se produce una paradoja de la sociedad actual. La imagen perfecta nos hace deshacernos de lo que consideramos imperfecto. Tyler y el narrador consiguen dinero para su proyecto fabricando jabón de primera calidad con la grasa de las liposucciones.

-Escena en la que Tyler le dice a los miembros del club que provoquen una pelea:  Las personas han perdido su instinto de defensa y evitan a toda costa una situación conflictiva, por lo tanto, no son capaces de enfrentarse a un problema que implique su supervivencia. Acostumbrados a su trabajo y a consumir, escapan de cualquier situación no prevista o que requiera una espontaneidad o una iniciativa.

Fight Club es una película que habla sobre la sociedad de consumo y plantea que es a través del dolor y de las experiencias cercanas a la muerte que nos podemos sentir libres. Luego de aceptar nuestra propia mortalidad podemos empezar a construir una identidad propia, alejada de lo que la sociedad espera de nosotros y ajustada a nuestras propias necesidades personales.

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Analisis Retro: Blade Runner

¿Qué tal? Me presento, soy Erick, la nueva contratación millonaria que hace Nomicom para mejorar la plantilla. Ya hablando en serio, me uniré al proyecto donde aportaré reseñas y análisis de varios contenidos de entretenimiento como películas, series, videojuegos y/o libros con cierto toque humorístico pero sin perder esa objetividad que pide una crítica, así que espero que sea de su agrado mis puntos de vista y pueda aportar de manera positiva a Nomicom para todos ustedes.

Ya habiendo dicho todo esto, podemos pasar con lo importante, o sea, hoy vamos a hablar acerca de Blade Runner. Espero y disfruten.

¿LA MEJOR DE SU TIPO?

Les voy a ser honesto, me costó mucho elegir la reseña que iba a hacer pues quiero aprovechar que es mi primer texto en la página para hablar de algún contenido que yo fuera absoluto fan para que le llegué a esas personas que quizás no conozcan y así abrirle los ojos a un nuevo mundo. Después de días de estar pensando todo esto, decidí que sería bueno hablar acerca de Blade Runner, una de las mejores películas de Ciencia Ficción…. Perdón, una de las mejores Películas de todos los tiempos pero, ¿Por qué la considero de este modo? Bueno, empecemos con la trama, ¿De qué trata Blade Runner?

A inicios del siglo XXI la compañía Tyrell dio el siguiente paso con la robótica creando a los modelos Nexus, estos eran Androides superiores a los Humanos en fuerza, habilidad e inteligencia y eran casi idénticos a una persona en su apariencia, se les llamaron Replicants y fueron usados para las tareas sucias de las personas cómo colonizar planetas o exploración de estos.

Eran los esclavos perfectos hasta que hubo un sangriento motín por un equipo de combate de Nexus en una colonia fuera de la Tierra, esto hizo que se declarara ilegal la estancia de los Replicantes en nuestro planeta bajo pena de muerte y se creó la unidad especial Blade Runner para darles caza y asesinar a cualquier Androide que se encuentre en el Planeta Tierra. Este acto no se le llamó asesinar sino “retirar”.

En esta historia seguimos al detective Deckard, el tiene el objetivo de encontrar a unos Replicantes que se han escapado y es la tarea del Blade Runner saber porque regresaron a la Tierra para después “retirarlos”. En esta caza por los Sintéticos, Deckard se empieza cuestionar el qué nos hace humanos, ¿Son los sentimientos? ¿Nuestra apariencia física? ¿El poder tener pensamientos? ¿Nuestros recuerdos? ¿Qué es lo que nos hace diferente de los Androides?

Hay que decir que la historia es uno de los puntos más fuertes que tiene esta película. La cinta se desarrolla de increíble manera. Hay que agradecerle todo esto al buen trabajo de adaptación que hicieron del libro de Philip K. Dick ¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?

Aprovechando el tema de la adaptación, puedo decir que es sumamente fiel al trabajo original. Respeta la historia & el universo que plantea Philip. Esa esencia de Ciberpunk que podemos leer, también la podemos ver en la pantalla grande aunque se salta algunas partes como cualquier adaptación. Eso no quita que sea un gran trabajo donde se representa una de las novelas más importantes de la Ciencia Ficción.

Otro aspecto que brilla de increíble manera y a mi me encanta, es la música que compuso Vangelis. Esta logra tener un aspecto retrofuturista. Quiero decir que le da un toque Noir con tintes electrónicos para encajar de gran manera en la ciudad de Los Ángeles de 2019 que plantea Ridley Scott. Es un Soundtrack que logra hacer una experiencia inmersiva. Es inteligente a la hora de entrar en una escena y nunca está fuera de tono. En verdad que me sorprendió demasiado el gran trabajo que tiene este aspecto, es excelente.

La presentación es algo muy importante para el género. Por suerte, este rasgo está bien hecho en Blade Runner. El estilo artístico y los escenarios son muy acorde al Ciberpunk ya que podemos ver la decadencia de un mundo contaminado. Al mismo tiempo, también podemos ver una urbe abarrotada de personas con rascacielos que no ven un final. Parte de la gran ambientación que tiene, se le debe a los efectos especiales. Están muy bien trabajados y le suman un poco más de credibilidad a la ciudad.

El último punto que quiero hablar es el de las actuaciones y el guión. Creo que ambos aspectos son más que memorables. Los actores demuestran el compromiso que tienen con sus personajes, además cada uno fue elegido a la perfección, Harrison Ford nació para ser Rick Deckard, el Androide Roy Batty no pudo ser nadie más que Rutger Hauer & Sean Young fue destinada a ser Rachael.

El guión funciona de increíble manera. Hace que la historia fluya muy bien. Logra marcar el camino de las personalidades de cada actor y actriz y hace que puedas empatizar fácilmente con ellos. También tiene diálogos que han trascendido a la historia del cine, vamos, el más famoso que tiene es “Lágrimas en la lluvia” & no es por casualidad, la interpretación de Rutger más ese monólogo en una escena así, lo hace increíblemente icónico.

UNA PELÍCULA COMPLETA

En conclusión, es una película que me fascina pues creo que cada aspecto está perfectamente trabajado, la ambientación. La música. Las actuaciones. Los diálogos. La historia. La dirección técnica, todo y absolutamente todo es maravilloso en esta película. No tengo las palabras para decir lo fascinado que me tiene el trabajo de Ridley Scott, me ha emocionado, me ha conmovido & hasta cierto punto, me ha impactado todo lo que representa, en verdad, si algo de que leyeron les llamó la atención, háganse un favor & denle una checada, estoy seguro que les gustará, hasta quizás, tanto como a mi.

Si no están muy seguros de verla, pues igual les recomiendo que la chequen. El corte final está en Netflix, entonces si estas suscrito no pierden nada con verla.

Si de plano no les interesó nada o la Ciencia Ficción no es lo tuyo, mejor mirar para otro lado. Igualmente se las recomiendo, pues creo que una obra maestra como esta no se puede dejar pasar.

Para las personas que hayan llegado hasta el final, les agradezco por haber leído esto & espero que les haya sido de su agrado mi forma de opinar. Si mis superiores están contentos con mis resultados, me verán seguido por aquí.

Por último, si les gustó mi redacción o quieren leer temas más personales, los invito a checar mi pagina web, ahí podrán leer reseñas de los mismos contenidos de entretenimiento, temas sentimentales, opiniones más sencillas y portadas editadas, se llama Reseñadores Casuales y si le dan click al nombre, los llevará directamente, ahí subo contenido cada viernes entre 4:30 y 5:00, hora de la Ciudad de México.

posdata: Like tears in rain. Time to die.

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Joker y la representación de la actualidad

Para alegría de todos llegó el estreno de Joker, película que sin duda va a provocar un debate entre los espectadores. La cinta dirigida por Todd Phillips (The Hangover) cuenta con un guion escrito por él junto a Scott Silver, fotografía de Lawrence Sher y la actuación del tan querido Joaquin Phoenix (The Master).

El film coronado con el León de Oro en el 76ª Festival de Cine de Venecia nos sitúa en la Ciudad Gótica de los años 80. Arthur Fleck, un fallido comediante de stand up, se va a ver obligado a optar por una vida dedicada al crimen luego de que una sociedad y una ciudad oscura lo rechace múltiples veces.

Haciendo un análisis podemos encontrar diversos pros y contras en la película. Mientras que los pros van a tender a la parte más técnica, los contras van a dirigirse a lo más profundo del film. Teniendo bien marcado donde van a estar las fortalezas y las debilidades del film podemos pasar a hablar de ella.

PROS

Joker sobresale porque decididamente se aleja de los cánones habituales de las películas basadas en comics. Ya no tenemos un grupo diverso de superhéroes luchando contra una fuerza del mal, sino que más bien tenemos una película que toma al villano y profundiza en su vida. A lo largo del metraje, el Guasón va a ser nuestro sujeto de estudio y vamos a empatizar con él. Un acierto que puede ser criticado por los fanáticos de comics más conservadores es que la película se toma varias libertades en cuanto a la historia, parece ser incluso un guion original.

La oscura y realista fotografía de Lawrence Sher retrata una Ciudad Gótica degradada y abundante en ratas enormes, paredes y vidrios grafiteados, vecinos poco alegres y una diferencia de clases en crecimiento. Contexto ideal para que Arthur libere sus represiones internas, para a posterior convertirse en un líder vengador con un séquito que reafirma sus actos. Todd Phillips se apoya en la fotografía y en la música original para generar clima y tensión, siempre tiende a lo visual para evitar la bajada de línea. Joaquin Phoenix brinda una actuación totalmente memorable al personificar a un hombre con un fuerte síndrome de Tourette que lo aleja de la sociedad y lo acerca a la locura. Una clase de actuación que a los gritos pide una nominación a los Oscars (que seguramente suceda).

CONTRAS

Las dudas que me surgieron al estar viendo la película se pueden reducir a la pregunta: “su vida es suficiente justificación para hacer lo que hace?”. La discusión que puede surgir a partir del film deriva de la filosofía de la misma y de lo que quiere representar. En particular no creo que un film incite a la violencia, pero mucho se ha hablado en el último tiempo de que la película podría provocar un cierto tipo de anarquía y revolución. Pero hay que ser honestos, muchos de nosotros crecimos viendo películas de acción o jugando GTA y no por eso estamos en la calle robando autos y matando gente.

En la película una muchedumbre de gente sale con máscaras de payasos y entusiasmados a marchar con carteles que dicen “¡Mata a los ricos!” después de que nuestro protagonista matara a un trio de hombres de Wall Street. En Estados Unidos, lamentablemente, suceden cada tanto tiroteos masivos o actos violentos provocados por gente parecida a Arthur, personas aisladas socialmente que no recibieron suficiente “amor”. Si con este tipo de personas en la vida real no sentimos empatía, ¿Por qué tenemos que hacerlo con Arthur? Todd Phillips nos da una respuesta vaga al justificar el accionar del personaje con la vida que tuvo.

Muchos asemejan Joker con The King of Comedy de Martin Scorsese, un personaje que quiere ser comediante de stand up y es fanático de un programa tipo late night show. La crucial diferencia es que la cinta de Scorsese tenia humor y que jugaba con este hasta transformarlo en algo oscuro, en cambio, Joker no tiene humor y solamente es oscura.

Joker es una propuesta nueva, interesante y que escapa a los cánones ya conocidos, una película que hay que celebrar y que tiene asegurado un camino prometedor en la temporada de premios.

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